Пабло Пикассо
Pablo Picasso
Род деятельности
Дата рождения
25 октября 1881 года
Возраст
91 год
Дата смерти
8 апреля 1973 года
Биография
Пабло Пикассо (полное имя — Пабло Диего Хосе Франсиско де Паула Хуан Непомусено Мария де лос Ремедиос Сиприано де ла Сантисима Тринидад Мартир Патрисио Руис-и-Пикассо) — испанский и французский художник, скульптор, график, керамист, театральный художник.
Содержание:
- Детство и образование
- Творчество
- Революционность и влияние Пикассо
- Личная жизнь
- Политические взгляды
- Награды и признание, аукционы
- Картины Пикассо в России
Детство и образование
Пабло Пикассо родился 25 октября 1881 года в Малаге (Испания) в семье художника, профессора искусств в Школе ремесел и куратора местного музея Хосе Руиса Бласко и его супруги Марии Пикассо Лопес. У него также были младшие сестры — Кончита, умершая в семилетнем возрасте от дифтерии, и Лола, впоследствии ставшая одной из первых моделей для картин своего брата.
В детстве Пикассо учился рисовать у отца, а в 1893 году поступил в школу изящных и прикладных искусств в Ла-Корунью, куда его семья переехала годом ранее. В 1895 году она уехала в Барселону, где Пикассо продолжил обучение в местной школе искусств в продвинутом классе.
«Помню, как отец говорил мне: «Я мечтаю, чтобы ты стал живописцем, но нельзя брать в руки краски до тех пор, пока ты не научился рисованию, а это очень непростое дело...» К пятнадцати годам я мог рисовать лица, фигуры и даже большие композиции — чаще всего без помощи моделей — и все просто потому, что практиковался», — вспоминал художник.
В 1897 году Пикассо поступил в Королевскую академию Сан-Фернандо в Мадриде, но через год вернулся в Барселону из-за разочарования в академическом обучении.
«Академическое обучение красоте — это обман. Нас обманули… Красота Парфенона, Венеры, нимф, нарциссов — сплошная ложь. Искусство — это не применение канона красоты, а то, что инстинкт и разум способны постичь за пределами любого канона», — говорил он.
Творчество
Творческая карьера Пабло Пикассо разделена на несколько основных периодов: голубой (1901–1904), розовый (1904–1906), африканский (1906–1909), кубизм, аналитический и синтетический (1908–1917), классический (1917–1925) и сюрреалистический (1925–1936).
В 1900 году Пикассо отправился в Париж, где подписал свой первый контракт с арт-дилером Педро Маначем, платившим ему 150 франков в месяц. Он арендовал студию вместе с другом — испанским художником Карлосом Касагемасом, после самоубийства которого в 1901 году переехал в студию скульптора Маноло (настоящее имя — Мануэль Мартинес Уго). Пикассо погрузился в депрессию, в его работах начали преобладать оттенки синего цвета, отражающие его депрессивное состояние и отчаяние. «Я погрузился в синий цвет, когда понял, что Касагемас мертв», — говорил художник. Кроме того, синие и серые цвета были дешевле, что было важно, поскольку также в это же время сократились продажи работ Пикассо: в мрачных монохромных картинах со скорбными сюжетами художник, испытывая эмоциональную нестабильность и финансовые трудности, изображал социальную несправедливость и бедность, что не было привлекательным для публики и потенциальных покупателей.
Наиболее сильно характеризует голубой период картина «Старый гитарист» (1903), героем которой стал сгорбленный истощенный музыкант, держащий в руках гитару — единственный объект, выполненный в теплых оттенках и символизирующий утешение и надежду. Пикассо не мог позволить себе приобретать новые холсты каждый раз, когда у него возникала новая идея, поэтому работа была написана поверх старых набросков: под плотным слоем краски скрываются женщина, кормящая ребенка, бык и теленок. Это увидели чикагские ученые в 1998 году с помощью рентгена и инфракрасного света.
Другие работы Пикассо этого периода: «Две сестры» (1902), «Старый еврей с мальчиком», «Завтрак слепого» (1903), «Гурман» (1901).
Весной 1904 года Пикассо поселился на севере Парижа в одной из мастерских Бато-Лавуара — пристанища для бедных художников. В это время он часто посещал цирк, находившийся рядом с общежитием, и его психологическое состояние постепенно улучшалось. Также, возможно, на него благотворно повлияла романтическая связь с Фернандой Оливье, ставшей его музой. Кроме того, художник обрел финансовую стабильность, начав сотрудничать с французским арт-дилером Амбруазом Волларом и коллекционерами.
В творчестве Пикассо настал розовый период с преобладанием светлых тонов, вдохновленный цирковыми артистами и атлетами. Художник начал использовать новые приемы, в частности, изображать героев анонимными, лишая их индивидуальных черт, чтобы показать цельный образ. Впоследствии это найдет отражение в картинах стиля абстракционизм. «Он [Пикассо] отказался от длинных лиц и острых черт, полных страданий, нищеты и отчаяния. Новое чувство восторга проявилось в гладких, круглых лицах, розовых телах, счастливых выражениях. В работах, относящихся к последним месяцам 1905 года, все передается тонкими изгибами и залито теплым светом», — написал биограф Пьер Де.
Переходной работой от депрессивного голубого периода стала «Девочка на шаре» (1905), выполненная в розово-голубой гамме. Изображение изящной эквилибристки, балансирующей на мяче, и громоздкого атлета, восседающего на кубе, представляет собой контраст между хрупкостью юности и приземленностью зрелости. Картина находилась в коллекции покровительницы Пикассо американки Гертруды Стайн, затем в галерее Даниэля Анри Канвейлера, а в 1913 году ее приобрел российский промышленник Иван Морозов.
Среди других работ Пикассо того времени: «Семья акробатов с обезьяной» (1905), «Семейство комедиантов» (1905),
«Акробат и молодой арлекин» (1905), «Стрижка» (1906).
В 1907–1909 годах в творчестве Пикассо появилась эстетика африканской культуры, которой он вдохновился на выставке в Этнографическом музее в Трокадеро. «Я заставил себя остаться, чтобы рассмотреть эти маски, все эти предметы, созданные людьми с сакральной, магической целью, чтобы они служили посредниками между ними и окружающими их неизвестными, враждебными силами, пытаясь таким образом преодолеть свои страхи, придавая им цвет и форму. И тогда я понял, что на самом деле означает живопись. Это не эстетический процесс, это форма магии, которая вклинивается между нами и враждебной вселенной, средство захвата власти, навязывая форму как нашим страхам, так и нашим желаниям. В тот день, когда я это понял, я нашел свой путь», — говорил художник.
Пикассо перешел к деформациям форм и экспериментам с плоскостями. Он упростил форму изображаемых предметов, делая их монументальнее и выразительнее. Персонажей он превращал в подобие деревянных идолов, искажая их лица по типу масок. В своих работах художник прибегал к грубой штриховке, имитирующей насечки на деревянных африканских скульптурах. Результатом новой образности стали «Авиньонские девицы» (1907), где среди плоского пространства лица женщин были похожи на африканские маски. По мнению ученых, вдохновением для этой картины, как и для «Трех обнаженных женщин» (1906), стали образы спортсменок из физкультурного журнала La Culture physique, сходство с которыми наблюдалось в произведениях Пикассо начала 1900-х годов.
Иногда африканский период еще называют сезанновским, потому что Пикассо, испытывая в это время влияние метода постмодерниста Поля Сезанна, прибегает к геометризации и упрощает изображение, считая, что в основе даже очень сложной формы лежит простая фигура — шар, цилиндр, конус.
Другие работы африканского периода: «Бюст женщины» (1907), «Мать и ребенок» (1907), «Обнаженная с поднятыми руками» (1907), «Портрет Макса Жакоба» (1907), «Три женщины» (1908).
Картина «Авиньонские девицы», над которой Пикассо работал больше года, стала отправной точкой для нового художественного течения, основанного художником совместно с Жоржем Браком в 1909 году, — кубизма. Они экспериментировали с объектом, разделяя его на составляющие и собирая заново (аналитический кубизм, 1908–1912), и использовали разные предметы для создания коллажей, играя с границами иллюзии и реальности (синтетический кубизм, 1912–1919).
Суть кубизма заключается в отказе от реалистичного изображения мира и попытке показать предмет сразу с нескольких точек зрения, разбив формы на геометрические фрагменты и пересобрав их.
«Понимание искусства композиции, противоположение форм и ритма красок сделались достоянием всех... Я понял, что живопись имеет самодовлеющую ценность, независимую от реального изображения предметов. Я спрашивал себя, не нужно ли скорее изображать вещи такими, как их знают, чем такими, как их видят...» — писал Пикассо.
В числе его работ этого периода: «Зеленая миска и черная бутылка» (1908), «Бутылка рома» (1911), «Голова» (1913), «Натюрморт с компотом и бокалом» (1914–1915).
В это же время Пикассо, увлекавшийся скульптурой с раннего возраста, сделал прорыв и в этой области, изобретя принципиально новые подходы к созданию объектов. В частности, он создавал скульптуры не из традиционных глины или мрамора, а из других материалов. Например, конструкцию «Гитара» (1912) художник собрал из листового металла и проволоки. Такие материалы, как газеты, ткани, земля, он добавлял и к краскам, создавая коллажи.
После 1918 года Пикассо экспериментировал с классицизмом. На художника повлияли сотрудничество с Сергеем Дягилевым, организовывавшем балетные Русские сезоны в Европе, и отношения с балериной Ольгой Хохловой.
Пикассо сотрудничал с антрепризой Сергея Дягилева «Русские сезоны» в Париже, занимаясь оформлением декораций и костюмов для балетных постановок. Например, он сделал декорации, занавес и костюмы в стиле кубизма для «Парада» (1917), костюмы в традициях комедии дель арте (комедии масок) для «Пульчинеллы» (1920) и т.д.
Художник нашел вдохновение в работах Рафаэля, Микеланджело, Донателло и Бернини. В то время, отошедший от провокационных идей, он больше обращался к художественным традициям, написав такие картины, как «Большая купальщица» (1921) и «Две женщины бегут по пляжу» (1922). Громоздкость и массивность женских фигур характеризовали увлеченность художника монументализмом.
Очередная смена стиля вызвала критику. «Всякий раз, когда я хочу что-то сказать, я говорю в той манере, в которой, по моему ощущению, это должно быть сказано», — отвечал Пикассо негодующим.
В 1925 году Пикассо впервые принял участие в групповой выставке сюрреалистов. Под их влиянием он отошел от реалистичности изображения. «Отец кубизма стал приемным сыном сюрреалистов!» — написал искусствовед Морис Рейналь. Именно с этого момента в коллективном сознании Пикассо стал восприниматься как участник группы сюрреалистов, хотя сам он официально не заявлял об этом.
На фоне известия о смерти друга Рамона Пишо художник написал первую сюрреалистическую картину «Три танцора». Деформированные фигуры и агрессивная подача отражали болезненный период. В 1965 году он поделился, что ее следовало назвать «Пляской смерти», поскольку вдохновением также послужили воспоминания о покойном Карлосе Касагемасе.
Сюрреализм — направление в искусстве, в рамках которого художники и писатели изображают не реальный мир, а иррациональный, фантазийный, обращаясь к снам и подсознанию.
Среди работ Пикассо того периода: «Гитара» (1926), «Обнаженная на пляже» (1929), «Купальщица, открывающая кабинку» (1928), «Фигуры на берегу моря (Поцелуй)» (1931), «На пляже» (1937), «Купальщицы с мячом на пляже» (1928).
В 1930 году Пикассо написал экспрессивную картину на нетипичную для него евангельскую тему — «Распятие». Драматически изломанные персонажи (Иисус Христос, Богоматерь, Мария Магдалина, разбойники и солдаты) предвосхищали образы героев «Герники» — самой масштабной работы художника 1930-х годов, когда в его творчестве появились антивоенные и антифашистские мотивы. «Живопись не предназначена для украшения квартир. Это наступательный и оборонительный инструмент войны против врага», — говорил он.
Пикассо написал «Гернику» в 1937 году, выполняя заказ республиканского правительства Испании для Всемирной выставки в Париже. Картина стала реакцией на бомбардировку одноименного баскского города во время Гражданской войны, когда нацистские военно-воздушные силы атаковали мирное население, а последующий пожар превратил место в руины. На картине художник изобразил страдания людей и животных в черно-белой палитре. В 1955 году бывший вице-президент США Нельсон Рокфеллер заказал 25-футовый гобелен по мотивам «Герники», изготовленный под руководством Пабло Пикассо. В 1984 году гобелен установили перед зданием Совета Безопасности ООН.
В картине присутствуют черты кубизма и сюрреализма, однако ее формальное решение не вписывается строго в рамки определенных стилей.
«Гобелен «Герника» с его проницательным символизмом — изображением ужасающих сторон человеческой природы — борется с жестокостью и тьмой, но также пробуждает в человечестве семя надежды. [Он] предназначен для того, чтобы его переживали и интерпретировали, но Пикассо отказывался делиться его посланием, когда его об этом просили», — говорил Рокфеллер.
После 1937 года Пикассо создавал картины в разных стилях, таких как кубизм, сюрреализм и неоклассицизм, не ограничиваясь одним из них. Он также писал на разные темы и изображал разные объекты, берясь то за портреты, то за натюрморты. Среди работ того времени: «Натюрморт с бычьим черепом» (1942), «Портрет Франсуазы» (1946), «Женщина в кресле I» (1948), «Клод, сын Пикассо» (1948), «Натюрморт с порроном» (1948), «Женщина с зелеными волосами» (1949).
В 1949 году художник по просьбе поэта Луи Арагона начал работу над голубем для афиши Всемирного конгресса сторонников мира. Позже Пикассо создал еще несколько вариаций, и в итоге «Голубка Пикассо» стала символом движения за мир. «Художники, которые живут и работают, руководствуясь духовными ценностями, не могут и не должны оставаться равнодушными к конфликту, в котором под угрозой находятся высшие ценности человечества и цивилизации», — говорил художник.
Дальнейшие работы Пикассо, представляя собой еще большее смешение стилей, были более красочными и экспрессивными. Среди них: «Девушки на берегу Сены. По Курбе» (1950) и «Резня в Корее» (1951). Также он увлекся керамикой и создавал предметы домашнего обихода — вазы Wood-Owl Woman (1951) и Woman (1955), блюда Goat's Head in Profile (1950), Wildlife Cavalier (1956), Woman`s Profile (1963).
В 1960-х годах Пикассо создавал работы в разных жанрах: живописи, графике и скульптуре.
Драматургия и поэзия
С 1935 года, после разрыва с Хохловой, Пикассо обратился к драматургии и поэзии. Первые два года он писал почти ежедневно, далее — с перерывами. Его последнее произведение датировано 1959 годом. Среди работ — пьесы «Желание, пойманное за хвост» (1941), «Четыре маленькие девочки» (1947–1948) и названное по картине Эль Греко произведение «Погребение графа Оргаса» (1957–1959), которое не относится к определенному жанру.
Как и в случае с живописью, Пикассо не ограничивал себя строгими литературными правилами и много экспериментировал.
Революционность и влияние Пикассо
Пабло Пикассо не был сторонником академического художественного образования, но ему удалось стать одним из самых влиятельных художников XX века благодаря постоянному новаторству в форме и стиле. Он радикально изменил представление о живописи, создав кубизм, отрицающий традиционное реалистическое изображение мира.
«В то время как знаменитые американские художники послевоенного периода — Джексон Поллок, Марк Ротко, Хелен Франкенталер, Рой Лихтенштейн — обладали хорошими манерами, чтобы выработать четкий, фирменный стиль и следовать ему, Пикассо был настоящим оборотнем. Как художник — и как человек — он был настолько поразительно многогранен, что, как может показаться, нам не остается ничего иного, кроме как свести его к своего рода знаку. Пикассо — это многогранный гений», — написал искусствовед Себастьян Сми.
Пикассо смело экспериментировал, смешивая разные стили и техники, деконструировал объекты, превращая их в плоскости и геометрические фигуры, чем вдохновлял художников. «Пикассо до сих пор вдохновляет молодых художников, ведь он работал в самых разных стилях. Он — образец свободы: «Эй, вы можете попробовать все это. Дайте волю своему воображению — и раздвиньте границы». И это хорошо, потому что в художественной школе многое преподается через призму [художника, теоретика искусства Марселя] Дюшана: идея о том, что все может быть искусством, если вы, как художник, считаете это таковым. В то время как Пикассо не скрывает своего воображения. Это видно по его работам», — говорил художник Аарон Карри.
Хотя гениальность Пикассо не оспаривают, его подвергают критике за поведение в личной жизни. «В наши дни не так уж и модно признаваться в любви к Пикассо, — отмечает художественный критик Дебора Соломон. — Его статус величайшего из современных художников, который большую часть XX века считался незыблемым символом веры, пошатнулся в мире #MeToo. <...> Как мы знаем из постоянно растущей коллекции биографий и мемуаров, он мог быть варваром, не знающим раскаяния. Он жестоко обращался со своими многочисленными женами и любовницами, вовлекая их в садистскую двухэтапную систему соблазнения и отказа, нарушая все нормы приличия».
Личная жизнь
В 1917 году Пабло Пикассо женился на балерине Ольге Хохловой, в браке с которой в 1921 году родился сын Поль. В 1935 году они расстались, после того как Хохлова узнала о беременности любовницы Пикассо.
Художник завел роман с моделью Марией-Терезой Вальтер еще 1927 году. Она и родила ему в 1935 год дочь Майю. Хохлова же, как пишет биограф Джон Ричардсон, стала «предметом его [Пикассо. — РБК] ненависти». Художник изображал ее в виде отвратительной лошади с красным языком, торчащим из ряда острых зубов, и парой бестелесных глазных яблок.
В 1940 году Пикассо расстался и с Вальтер. Вскоре он познакомился с 22-летней художницей Франсуазой Жило. В 1947 году у них родился сын Клод, а в 1949 году — дочь Палома. В 1953 году Жило приняла решение уйти, устав от многочисленных измен, агрессии и эгоцентричности. Например, однажды, по ее словам, во время ссоры Пикассо прижал горящую сигарету к ее щеке, разозлившись, что она уехала на морской курорт без него. А когда она собиралась рожать Палому, Пикассо настоял, чтобы водитель сначала отвез его на конференцию, а потом уже ее в больницу.
Через два года после расставания женщина опубликовала мемуары «Жизнь с Пикассо». Будучи недовольным ими, художник прекратил общаться не только с бывшей возлюбленной, но и с общими детьми.
«Его чувства к женщинам колебались между крайней нежностью, с одной стороны, и яростной ненавистью — с другой, а в середине была неприязнь, если не презрение», — писал биограф художника Патрик О’Брайан.
В начале 50-х годов Пикассо встретил Жаклин Рок, которая стала его второй официальной женой в 1961 году. Вместе они воспитывали ее дочь Катрин Ютен-Бле, родившуюся в 1952 году. Несмотря на то что художнику уже было за 80, он продолжал заводить романы на стороне.
Художник селил женщин в разных квартирах, разграничивал возможности их участия в его творчестве и наследственных правах, создавая среди них сложную иерархию. Они тяжело переживали окончание отношений. По словам искусствоведа Луизы Бак, романы были катализатором творчества Пикассо, но в то же время он «оставил после себя кровавый след из женщин».
91-летний Пабло Пикассо умер 8 апреля 1973 года от отека легких в окружении семьи и близких друзей на своей вилле во французском городе Мужене. Похоронен на территории парка принадлежащего ему замка Вовенарг.
Политические взгляды
Пабло Пикассо был изгнан из Испании после победы Франсиско Франко в Гражданской войне в 1939 году и уехал во Францию. Художник был коммунистом и состоял во Французской коммунистической партии с 1944 года до конца жизни.
«Я пришел к коммунизму без малейших колебаний, поскольку, в конечном счете, я всегда был за него... Те годы ужасного угнетения [оккупации] показали мне, что я должен бороться не только своим искусством, но и самим собой. Я так хотел вернуться на родину! Я всегда был изгнанником. Теперь я им больше не являюсь; пока Испания наконец не сможет принять меня обратно, французская коммунистическая партия не раскроет мне свои объятия. Я нашел там всех, кого я уважаю больше всего, величайших ученых, величайших поэтов, и все эти прекрасные лица парижан с оружием в руках, которых я видел в те августовские дни [1944 года, освобождения]. Я снова среди своих братьев», — говорил он.
Награды и признание, аукционы
Пикассо попал в Книгу рекордов Гиннесса как самый плодовитый художник мира, создавший за 78-летнюю карьеру 147 800 произведений искусства: более 13 тысяч картин и эскизов, 100 тысяч гравюр и оттисков, 34 тысячи иллюстраций и 300 скульптур и изделий из керамики.
Он был удостоен Почетного упоминания Мадридской выставки изящных искусств (1897 г.), Золотой медали Малагской провинциальной выставки (1897 г.), премии Карнеги (1930 г.), звания почетного куратора музея Прадо в Мадриде (1936 г.), Серебряной медали Французской признательности (1948 г.), Командорского креста Ордена Польского возрождения (1948 г.), Мемориальной медали Пеннелла Филадельфийской академии изящных искусств за литографию «Голубь мира» (1949 г.), Ленинской премии мира (1950, 1962 гг., «За укрепление мира между народами»).
В 2023 году работы Пикассо стали лидерами по объему аукционных продаж, заработав $595,7 млн. Ранее его картина «Алжирские женщины (версия О)», проданная в 2015 году за $179,365 млн, установила мировой рекорд по стоимости произведения искусства.
«Алжирские женщины» — это серия из 15 картин, написанных в 1954–1955 гг. Они объединены одним названием и обозначены в алфавитном порядке буквами от «А» до «О».
Также его самыми дорогими работами в разные годы стали:
-
«Сон» (1932): была продана за $155 млн в 2013 году;
-
«Женщина с часами» (1932): была продана за $139,3 млн в 2023 году;
-
«Молодая девушка с цветочной корзиной» (1905): была продана за $115 млн в 2018 году;
-
«Обнаженная, зеленые листья и бюст» (1932): была продана за $106,5 млн в 2010 году;
-
«Мальчик с трубкой» (1905): была продана за $104,1 млн в 2004 году;
-
«Дора Маар с кошкой» (1941): была продана за $95,2 млн в 2006 году;
-
«Женщина в берете и клетчатом платье» (1937): была продана за $69,4 млн в 2018 году;
-
«Бюст женщины (Женщина в сеточке для волос)» (1938): была продана за $67,4 млн в 2015 году.
Картины Пикассо в России
В 1908 году Пабло Пикассо познакомился с русским коллекционером и меценатом Сергеем Ивановичем Щукиным, который приобрел две его картины, после чего стал одним из постоянных заказчиков и до 1914 года купил больше 50 картин. Его товарищ Иван Абрамович Морозов пополнил свою коллекцию французской живописи тремя работами художника.
Пикассо создал более 147 тыс. произведений, часть которых благодаря Щукину и Морозову находится в России в ГМИИ им. А.С. Пушкина в Москве и Государственном Эрмитаже в Санкт-Петербурге. Среди них:
-
«Портрет поэта Сабартеса», 1901 (ГМИИ им. А.С. Пушкина);
-
«Два акробата (Арлекин и его компаньон)», 1901 (ГМИИ им. А.С. Пушкина);
-
«Король-Солнце», 1901 (Эрмитаж);
-
«Абсент», 1901 (Эрмитаж);
-
«Любительница абсента», 1901 (Эрмитаж);
-
«Две сестры», 1902 (Эрмитаж);
-
«Старый еврей с мальчиком», 1903 (ГМИИ им. А.С. Пушкина);
-
«Девочка на шаре», 1905 (ГМИИ им. А.С. Пушкина);
-
«Испанка с Майорки», 1905 (ГМИИ им. А.С. Пушкина);
-
«Обнаженный мальчик», 1906 (Эрмитаж);
-
«Натюрморт с вазами», 1906 (Эрмитаж);
-
«Обнаженная с драпировкой (Танец с покрывалами)», 1907
-
«Женщина с веером», 1907 (Эрмитаж);
-
«Фермерша», 1908 (Эрмитаж);
-
«Фермерша» (бюст), 1908 (Эрмитаж);
-
«Дружба», 1908 (Эрмитаж);
-
«Дриада (Обнаженная в лесу)», 1908 (Эрмитаж);
-
«Три женщины», 1908 (Эрмитаж);
-
«Купание», 1908 (Эрмитаж);
-
«Домик в саду», 1908 (ГМИИ им. А.С. Пушкина);
-
«Цветы в сером кувшине и рюмка с ложкой», 1908 (Эрмитаж);
-
«Композиция с черепом», 1908 (Эрмитаж);
-
«Сидящая женщина», 1908 (Эрмитаж);
-
«Бидон и миски», 1908 (Эрмитаж);
-
«Зеленая миска и черная бутылка», 1908 (Эрмитаж);
-
«Королева Изабо», 1909 (ГМИИ им. А.С. Пушкина);
-
«Дама с веером», 1909 (ГМИИ им. А.С. Пушкина);
-
«Домик в саду (Домик и деревья)», 1909 (ГМИИ им. А.С. Пушкина);
-
«Женщина с мандолиной», 1909 (Эрмитаж);
-
«Кирпичный завод в Тортосе», 1909 (Эрмитаж).
Вас может заинтересовать
